Форма входа

Поиск

Наш опрос

Какой раздел данного сайта нравится Вам больше всего?
Всего ответов: 348

Статистика







Суббота, 23.09.2017, 01:24
Приветствую Вас Гость | RSS
Главная | Регистрация | Вход
АКЦИЯ "СПЕКТАКЛЬ МЕСЯЦА" - Страница 17 - Форум - Раз ступенька, два ступенька...


[ Новые сообщения · Участники · Правила форума · Поиск · RSS ]
Страница 17 из 23«1215161718192223»
Форум - Раз ступенька, два ступенька... » Молодёжка » Спектакли Молодёжки » АКЦИЯ "СПЕКТАКЛЬ МЕСЯЦА"
АКЦИЯ "СПЕКТАКЛЬ МЕСЯЦА"
AlenaДата: Понедельник, 01.11.2010, 22:49 | Сообщение # 1
Почётный ступенечник
Группа: Администраторы
Сообщений: 6215
Статус: Offline
ПРОЕКТ "СПЕКТАКЛЬ МЕСЯЦА"

14 октября 2010 г. в Театре на Фонтанке стартовал новый долгосрочный проект «СПЕКТАКЛЬ МЕСЯЦА». Для зрителей это возможность не только посмотреть сам спектакль, но и принять участие в его обсуждении с актерами, постановочной группой, специалистами в области театра, социологами, психологами.

Спектакли, принявшие участие в проекте: "Жестокие игры", "Лев зимой", "Валентинов день", "Синие розы", "Поздняя любовь", "Священные чудовища", "Севильский цирюльник", "Метро", "Пять вечеров", "Бумажная роза / Клятва на крови", "Король-олень", "Зимняя сказка", "Жаворонок", "Отелло", "Иов", "Дон Кихот", "Любовные кружева", "Время для посещений", "Любовь после жизни", "Идиот. 2012", "Фантазии Фарятьева", "Школа налогоплательщиков", "Тартюф".
 
MarinaДата: Вторник, 10.01.2012, 23:47 | Сообщение # 161
Почётный ступенечник
Группа: Модераторы
Сообщений: 2658
Статус: Offline
Quote (Алёна)
Оууу! Следующим спектаклем месяца будет "Отелло" - 18 февраля на Малой сцене Молодёжки!

Ура! я на него как раз билеты взяла! victory
 
matildaДата: Среда, 11.01.2012, 14:41 | Сообщение # 162
Постоянный посетитель
Группа: Пользователи
Сообщений: 47
Статус: Offline
Обсуждение спектакля "Священные чудовища".
Газета PROсцениум, май 2011

ГОТОВНОСТЬ К НЕОЖИДАННОСТЯМ
«Удиви меня!» - предложил Сергей Дягилев двадцатилетнему Жану Кокто, заказывая постер к балету для Русских сезонов. С тех пор французский писатель, поэт, художник и режиссёр Кокто всегда стремился удивлять. Пьеса «Священные чудовища» - не исключение. «Звёзды парижского небосклона, священные чудовища! Своеобразный внешний вид, выделяя их среди смертных, делая их выразительными, возводя в ранг звёзд, меньше всего обусловлен желанием выделиться. Это – борьба со смертью. Пафос этой борьбы возвышает их над людьми обыкновенными – над их смешными подобиями», - писал Кокто в мемуарах…
Незнакомый с пьесой и размышлениями драматурга зритель не видит в названии спектакля Молодёжного театра тот богемный смысл, который скрадывает перевод с языка оригинала. Что за чудовища? Мистическая фантазия? Отнюдь. Это необычная история, которая через призму отношений двух актёров с солидным стажем «игры» и в жизни, и в театре, рассказывает о любовном треугольнике, о семейных ценностях и искушениях. Темы характерны для Молодёжного театра, и спектакль недаром существует больше десяти лет. Он любим зрителем, что в очередной раз доказала встреча из цикла «Спектакль месяца», во время которой публика пообщалась и с актёрами, и режиссёром постановки Семёном Спиваком.
- Впервые я увидел эту пьесу лет 15 назад в Театре Сатиры, в Москве, - рассказал Спивак. – Артисты играли замечательные, но «стихотворение» не сложилось, да и юмор показался примитивным. Но сама пьеса заинтересовала, что-то щёлкнуло, а когда такой внутренний щелчок есть – спектакль может вырасти.
И он вырос. Спивак, вольно или не вольно, продолжил в нём традицию Жана Кокто -удивлять. Настоящие цирковые трюки, вплетённые в действие и исполненные артистами Молодёжного, сделали постановку неожиданной, а блестящая игра, точные музыкальные попадания и тонкий юмор поддержали лучшие традиции театра на Фонтанке:
- Юмор – всегда предвестник серьёза, - считает режиссёр. – В каждой сцене есть и смешное, и трагичное. Такова сама жизнь, сочетающая дни и ночи, чёрное и белое.
Зрители, конечно, интересовались разгадкой фокусов, но секреты не раскрыли. Мы лишь узнали, что трюки готовили профессиональные циркачи:
- Мы были молодые, бегали с халахупами, скакали, был такой азарт, - рассказывает Регина Щукина. В этом спектакле её роль играется в одном составе, потому что ящики, в которых артистка скрывается во время «прокалывания шпагами» и «распиливания» чётко выверены по размерам. – Я помню, как Семён Яковлевич поссорился с постановщиком из цирка, который уверял, что нельзя не закончить номер.
Но Спиваку необходимо было именно «зависание» номера. И цирковой мастер всё-таки сдался. А воссоединение двух половин актрисы Щукиной состоялось в «смысловой точке» - только в конце второго акта.
- Спектакль феерический! Парадоксально, но в соединении с буффонадой смысл только углубляется, - поделился гость. – В самой же истории впечатлило последнее примирение. После трагедии герои стали ближе друг другу. Это так важно сегодня, когда не хватает доброты, прощения, милосердия.
Среди всяческих похвал вкрались и некоторые пожелания. Кто-то заметил, что спектакль громковат – герои бурно выясняют отношения, а музыка почти не прекращается.
- Сначала мне тоже казалось, что мы слишком жарко ругаемся, не по-французски. Но знаете, я читала книгу о жизни Эдит Пиаф, которой Кокто посвятил пьесу. Она любила разборки, и крик стоял тот ещё! – рассказала зрителям исполнительница роли Шарлотты Елена Соловьева. Главный герой постановки Анатолий Петров, в свою очередь, вступился за музыку:
- Когда спектакль прошёл раз 6-7, мы хотели сократить музыкальный ряд. И сокращали на протяжении трёх репетиций, это очень много, но смогли убрать только пару фрагментов – так здесь всё нанизано. И артистам музыка помогает, она как маячки.
- В хорошем спектакле отражаются проблемы всех людей в зале, а в плохом режиссёр только самовыражается, - считает Семён Спивак и подкрепляет свои слова цитатой из Товстоногова: «Режиссёр – это уполномоченный представитель зрителя». – Искусство похоже на сказку, оно даёт импульс чувствам. Жизнь продолжается, несмотря ни на что, об этом наши спектакли.
На самом деле хороший спектакль помогает не только зрителям, но и артистам.
- Я не знаю, как подсчитать семьи, которые «Священные чудовища» сохранили, но такие, наверняка, есть. И мне самой этот спектакль помог в жизни. Тяжёлые были времена, ушёл муж. И что? Со временем всё стало только лучше! Спектакль помогает не терять стимул жить, даже когда всё рушится.
Очевидно, в «Священных чудовищах» действительно есть что-то, поддерживающее семейные ценности. По воспоминаниям артистов, через какое-то время после выпуска спектакль целый год не игрался – актрисы принялись дружно рожать. Дарья Юргенс танцевала в этом спектакле рок-н-ролл даже на седьмом месяце беременности. И, кстати, после спектакля, сыгранного перед обсуждением, рок-н-ролл танцевал сам Спивак. По секрету скажем, что это случается только тогда, когда спектакль прошёл классно, по высшим стандартам. А как же к нему готовятся?
- Конечно, в гримёрке мы никогда не говорим языком пьесы, типа: «Внутренний текст сегодня не пошёл»… Мы общаемся, шутим! - рассказывает Анатолий Петров. – На работу нужно приходить в хорошем настроении, только так можно зарядить позитивом и зрителя.
В этот день всё получилось - зрители ушли в приподнятом настроении. Благодарили артистов и режиссёра, подчёркивали, что Молодёжный – пример театра живого. И живого не только постановками, но и отношением к своему зрителю, в частности – такой возможностью, как встречи из цикла «Спектакль месяца».
Мария СУКОНКИНА
 
matildaДата: Среда, 11.01.2012, 14:44 | Сообщение # 163
Постоянный посетитель
Группа: Пользователи
Сообщений: 47
Статус: Offline
Обсуждение спектакля "Севильский цирюльник".
PROсцениум, август 2011

спектакль месяца
ДОЛОЙ ЛИШНИЕ СТЕНЫ!
Что бы вы подумали, если бы вам пожелали «дерьма»? Вот и актёры Молодёжного театра на премьере спектакля «Севильский цирюльник» во Франции немного опешили, услышав французское напутствие: «Merde!». Но оказалось, что это добрая традиция вроде нашего «ни пуха, ни пера». В XVIII веке французские артисты получали гонорары с количества проданных билетов, а так как в театр принято было прибывать в каретах, успех продаж и количество лошадиных отходов перед входом были взаимосвязаны…
Этой забавной историей народный артист Валерий Кухарешин открыл очередную встречу со зрителями из цикла «Спектакль месяца», и продолжил экскурс в традиции театральной Франции:
- Вы, наверное, обратили внимание, что перед спектаклем на сцену вышел человек с палкой и несколько раз ударил ей об пол. Версальский театр «Монтескье», в котором мы играли премьеру – старинный, бережно хранящий историю. В XVIII веке никаких звонков, конечно, не было. В театре до спектакля стоял гвалт, галдеж. Перед представлением «бригадир» ударял палкой три раза – артисты готовы. Потом по три раза со своих мест били палкой сотрудники служб театра. Девятый удар значил, что можно начинать…
Об этой премьере, состоявшейся в декабре прошлого сезона, артисты отзываются тепло. Небольшой французский театр, окна которого выходят на Версальский парк, произвел на них приятное впечатление. Гримерка, где когда-то готовилась к выходу на сцену Сара Бернар, статуя Марии Антуанетты в ложе, из которой она смотрела спектакли… Но есть у театра и сложности: из-за финансовых проблем там дают не более 20 спектаклей в год. Для сравнения – в течение одного только 32-го сезона Молодёжный дал немногим меньше 400.
С «Севильского цирюльника», поставленного режиссером театра «Монтескье» Жан Даниэлем Лавалем, стартовала русско-французская дружба. По идее сотрудничества и художественный руководитель Молодёжного Семён Спивак готов поставить спектакль с французскими артистами для версальского театра. Хочется верить, что деньги на реализацию у французской стороны всё-таки найдутся.
Артисты признались, что работать с режиссёром, который не знает русского языка, было сложновато, но им очень повезло с переводчицей. Дарья так тонко и точно переводила, так включалась в процесс, что даже сама начинала что-то играть. Но сложности нашлись не только в языковом барьере – актёры прочувствовали разницу культур и театральных школ.
- Наш зритель приучен к действию, во Франции же могут просто с удовольствием слушать, как разыгрывают текст. Поэтому на премьере мы были удивлены, когда французы больше внимания уделяли подстрочному переводу, чем нам. Но нам удалось это немного преломить, - поделились участники.
- Вообще, первое впечатление от постановки – жесточайшие условия, - вспомнил исполнитель роли графа Альмавивы Роман Нечаев. – Нужно было выпустить спектакль за три недели, что для театра Спивака, про которого шутят, что «Три сестры» он выпускал в год по сестре, очень сжатый срок. А когда, помимо этого, мне показали мою вокальную партию (не пел я до этого лет 20), у меня случилась истерика!
Впрочем, зрители неоднократно выражали радость, что один из любимых артистов наконец-то запел, а прекрасная музыка, написанная молодым французским композитором Сильвеном Одиновским, безусловно, стала одним из выразительнейших украшений спектакля.
- Столкнулись мы и с другой системой игры, - продолжил Роман. – Во время репетиций мы не раз вспоминали Станиславского, который подарил нам, актёрам, «четвертую стену». Здесь об этой стене пришлось забыть: ты начинаешь играть, а зритель додумывает, доигрывает за тебя. Ты все рассказываешь, показываешь, но не перевариваешь в себе. Нужно, чтобы с любого места всё было понятно – это диктует и жанр пьесы: бульварная комедия.
Актёры считают, что «Севильский цирюльник» пока еще находится в стадии работы, обретает себя, и в день обсуждения состоялся один из лучших показов. Зрители нашли в постановке что-то общее со спектаклем «Двенадцатая ночь», на протяжении 15 лет не сходящем со сцены Молодёжного. Увы, в этот день все узнали, что 33-й сезон станет для «Двенадцатой ночи» завершающим, и, возможно, последний раз зрители увидят её уже в сентябре.
- Режиссер «Двенадцатой ночи» Владимир Туманов сказал нам то, что артисту лучше не слышать: «Импровизируйте, сколько хотите»! И остановить этот процесс уже невозможно, - делится Валерий Кухарешин. - Все эти 15 лет спектакль набухает, набирает вес, и лучше закрыть его до того, как он развалится – всё надо заканчивать вовремя.
В «Цирюльнике» артисты всё-таки стараются держать себя в рамках текста, даже удачные импровизации не повторять. Но случается всякое:
- Несколько спектаклей назад я вышел на сцену со словами: «Сударыня, вам письмо!», сунул руку в карман и понял, что забыл его за кулисами, - рассказывает Валерий Кухарешин. – Юлия Шубарева спрашивает: «Где же оно»? Ничего умнее мне не пришло в голову, как сказать: «Наверное, на тропе обронил». Пулей вылетаю за кулисы, хватаю письмо, возвращаюсь: «Уф, нашел! Под ёлкой лежало»…
За то время, что Молодёжный проводит творческие встречи с артистами для обсуждения постановок, стало очевидным, что их формат очень зависит от обсуждаемого спектакля. И артисты, и зрители находятся «на одной волне», оставшейся после показа. Вот и в этот раз, подобно самому спектаклю, встреча прошла легко, с большой долей юмора и хорошим настроением всех присутствующих.
Мария СУКОНКИНА
 
matildaДата: Среда, 11.01.2012, 14:49 | Сообщение # 164
Постоянный посетитель
Группа: Пользователи
Сообщений: 47
Статус: Offline
обсуждение спектакля "Метро"
PROсцениум, сентябрь 2011

спектакль месяца
ИНЦИДЕНТ В ТЕАТРЕ…
Вот заходите вы в вагон метро, а там хулиганы пьют, попутчикам хамят, над людьми издеваются. Испугаетесь? Наверное. Но вряд ли удивитесь. А теперь представьте, что всё это вы видите на сцене…
«С этой постановки уходят люди, которые боятся видеть правду», - говорит режиссёр Семён Спивак о спектакле «Метро». 19 августа он прошёл в рамках акции «Спектакль месяца» и все желающие остались, чтобы пообщаться с режиссёром и актёрами…

В середине спектакля молодая женщина ушла, с трудом пробравшись сквозь до отказа забитый зрителями зал. Впрочем, её примеру никто не последовал, а судя по тому, сколько зрителей осталось на обсуждение, многих спектакль затронул за живое.
Простой, но пугающий повседневностью сюжет: двое подвыпивших парней начинают приставать к попутчикам, а те, в свою очередь, не находят сил объединиться и выступить против хулиганов. Семён Спивак говорит, что когда-то сам стал свидетелем подобной сцены: двое дрались, жена одного из них кричала, внушительная толпа глазела, но никто не попытался хоть как-то повлиять на происходящее. Для Спивака эта история стала стимулом к созданию спектакля.
- Произошла страшная вещь – мы разобщены. Почему мы все остались на эту встречу? Нас тянет быть вместе, но жизнь растащила нас по одному. Этот спектакль сделан для того, чтобы мы стали ближе, внимательнее друг к другу. Товстоногов говорил, что каждый человек живёт в одиночной камере, а искусство служит тому, чтобы мы начали хотя бы перестукиваться. Недавно на радио услышал передачу: какие-то молодые люди рассуждали, что главное в жизни – успех. Страшно, когда понятия «успешный», «бойкий» выходят на первый план. А может лучше жить «не модно» – любить и уважать друг друга, поддерживать тех, кто слабее.
Увы – инцидент, описанный Николасом Баером в середине прошлого века и лёгший в основу постановки, не утратил актуальности. Благодаря точной игре актёров, кому-то даже захотелось выскочить на сцену и остановить насилие.
Артисты тоже попытались представить себя очевидцами событий:
- Конечно, я мог бы сказать, что, оказавшись в подобной ситуации, порву на себе рубаху и кинусь грудью на амбразуру, но я просто человек, у меня тоже есть страхи. Возможно, оказавшись один, без поддержки, я бы тоже ничего не предпринял, - признался Сергей Яценюк, который сыграл в спектакле Джо Ферроне – грозу ночной электрички.
Зрители поинтересовались, близок ли герой самому Сергею:
- Не скажу, что близок, но эта роль была мне нужна, чтобы не наделать глупостей в жизни. Нужно было что-то из себя выплеснуть, и хорошо, что это произошло на сцене.
- Конечно, определенным образом артист должен быть связан с ролью, но это же театр! Игра! - объяснил Спивак свой взгляд на проблему «списывания роли с себя». – Я вообще думаю, что люди больше похожи между собой, чем не похожи. Борьба между добром и злом идёт не где-то на Мадагаскаре, а на территории души человеческой. Чем больше личность, тем больше полярных качеств в нём уживается. Мне кажется, Джо Ферроне, как и Серёжа Яценюк, одинок и ищет общения. И ещё их объединяет отличное чувство юмора. Я нашёл уже две общие черты, а это немало!
Проблема проживания роли на сцене стояла в тот вечер остро. Зритель готов поверить в жестокость актёра, играющего негодяя… Спивак ответил и на эти вопросы:
- Есть замечательный фильм «Марафонец», в котором сыграли легендарный Лоуренс Оливье и Дастин Хофман. Оливье было 72 года, а Хофману – лет 25. Ежедневно он выкладывался на все сто, и к вечеру без сил падал в кресло А Лоуренс, кажется, был полон сил. «Как вам это удаётся!» - не выдержал молодой артист. «Дорогой, а вы играть не пробовали?» - ответил Оливье. Игра – это то, чему ребята учатся в институте, они играют – как дети. Главное, чтобы в этой игре не было цинизма. Сегодня они отработали честно. И я надеюсь, что те душевные силы, которые в них есть сейчас, сохранятся.
Вопросы не иссякали… Например, за что артисты любят своих героев – нельзя же сыграть, совершенно не сочувствуя персонажу? За что, к примеру, Евгений Титов любит своего учителя истории, «неудачника и слабака»?
- Мне приятно, что мой герой совершает поступок - возможно, единственный в жизни. Пусть не сразу, но он идёт спасать жену. Я сам часто трушу, и мне дорога его способность наступить на горло страху. Возможно, это изменит его отношения с женой, что-то поменяется в их жизни.
- Я в вас не ошибся, - признался зритель, задавший Евгению этот вопрос.
Владимир Брик на месте учителя истории, наверное, тоже не сидел бы сложа руки:
- Я вообще, увы, много дерусь. Но у меня другая проблема – если в конфликте оказываются незнакомые люди, я часто просто не знаю, как поступить, боюсь сделать неправильно. Допустим, ты заступаешься за женщину, наказываешь её обидчика, а потом они опять вместе! То есть, ты никак не решаешь проблему. Говорят, что «свобода – это соблюдение закона». Но преступник и простой обыватель мыслят разными категориями. Для благополучного человека есть закон, границы, которые нельзя перейти. А у преступника нет рамок – дойдя до определённой точки, его не страшат ни совесть, ни тюрьма.
В этот вечер говорили о многом. О «мёртвых душах общества», о том, что Джо Ферроне – наказание всем пассажирам злополучного вагона, за то, что они такие, какие есть. О том, что мы не сопротивляемся насилию. Предполагали, что Джо обделён родительской любовью. Обо всем этом каждый может подумать сам, посмотрев спектакль. А закончить рассказ об этом вечере хотелось бы реальной историей, которая и прозвучала в финале:
- Вечер. Метро. Артист Анатолий Петров возвращается после спектакля. В полупустой вагон вваливается компания подвыпивших ребят и начинает приставать к пассажирке. «Сделать я что-то вряд ли смогу, но жить с этим дальше – тоже. Встану, попрошу помощи, если никто не откликнется – дам одному между ног, а там как пойдёт»… С этими мыслями артист, благодаря театральную школу за хорошо поставленный голос, произносит: «Мужики! Сколько можно! Давайте наведём порядок!». И идёт на хулиганов. Откликнувшись на призыв, за его спиной встаёт ещё человек семь здоровых парней. Нарушителей скрутили и сдали милиции. Хороший финал истории, которая могла бы закончиться плохо. Обычная история о хамстве и насилии, необычность которой мы перестали замечать…
Мария СУКОНКИНА
 
matildaДата: Среда, 11.01.2012, 14:50 | Сообщение # 165
Постоянный посетитель
Группа: Пользователи
Сообщений: 47
Статус: Offline
обсуждение спектакля "Пять вечеров".
PROсцениум, октябрь 2011

СКАЗКА О ЗАМОРОЖЁННОМ СЧАСТЬЕ

В чем конфликт отцов и детей? Наверное, не в том, что люди по определению разные. Просто детям и их родителям не суждено встретиться в одном возрасте. Одни опытны, другие ещё не напуганы уроками жизни. Одни подводят итоги, другие только надеются. Но это ступени, по которым, так или иначе, из поколения в поколение поднимается каждый. Художественный руководитель Молодёжного театра Семён СПИВАК уверен – человеческая сущность не так уж зависима от реалий, в которых мы живём. Тему времён и нравов затронули зрители, обсуждая постановку по пьесе Володина «Пять вечеров», которая прошла в рамках акции «Спектакль месяца».

Пятидесятые годы прошлого века. Нет более престижной профессии, чем главный инженер завода. Заведующая магазином сдаёт экзамен на повышение квалификации, но учит не то, как «втюхать» что-нибудь ненужное, а что такое вафли, вина, витамины! Секретами личной жизни горожан владеет телефонистка на переговорном пункте. А человек, отчисленный из института, ставит крест на своей карьере…
Казалось бы, в пьесе столько всего далёкого, что велика вероятность - только очевидцы тех событий будут наслаждаться, с ностальгией погружаясь в свои воспоминания. Но в этом и разница между пьесой и спектаклем. Особенно спектаклем талантливым!
¬- Современный спектакль, как мне кажется, тот, в котором речь идёт о вечных проблемах. В этом и есть мастерство режиссёрского анализа: в каких бы костюмах артисты не вышли на сцену, это всегда и про девятнадцатый век, и про первый, и про сегодня, - говорит режиссёр постановки Семён Спивак.
- Времена не играют, о них пишут, - поддерживает Регина Щукина, исполнительница роли Тамары. – Наверное, в пятидесятые люди были наивнее. Но любовь, одиночество – вещи непреходящие. Я играть не умею – то, что вытащила из себя, то и вынесла на сцену. А в жизни всякое было. Иногда так тяжело, что казалось, сейчас умру! А потом – уже после расставания - встретишь своё «счастье» и думаешь: «Господи, как же хорошо, что оно уже не моё»…
Многим сюжет пьесы был знаком по одноименному фильму Никиты Михалкова с Людмилой Гурченко и Станиславом Любшиным. Напомним, Саша – главный герой, не видел любимую много лет, а вернувшись, побоялся рассказать правду о себе и, запутавшись во лжи, чуть не потерял её снова… Присутствовавшие на встрече, попытались распутать клубок внутренних проблем главного героя:
- Ильин хочет, но не может установить близкие отношения с любимой – боится предстать перед ней тем, кто он есть. Не успешным, достаточно резким и отчаянно одиноким. Ему страшно, как и всем нам, оказаться отвергнутым. В детстве мы очень болезненно переносим отверженность, недолюбленность и «тянем», увы, эту боль во взрослую жизнь. Володин признавался, что его пьеса во многом автобиографична. В детстве он остался фактически сиротой, в доме родственников его не любили. Он писал, что «Пять вечеров» - это сказка о Снежной королеве, сердце которой удалось растопить. У Регины Щукиной образ получился шире!
Зрители были щедры на комплименты:
- Я смотрел «Пять вечеров» в разных театрах, но именно здесь почувствовал свежую волну, которой не находил ни в фильме, ни даже в самой пьесе, - поделился импозантный пожилой мужчина, явно преданный театральному искусству. – Как точно созданы образы: и роль Зои, и чудесный дуэт Кати и Славы - иногда казалось, что они и «рулят» всем процессом. Но, конечно, главная линия – любовь Тамары и Саши, это уже зрелый плод…
Отдельно выделили Фиру, героиню Ксении Митрофановой – девушки с аккордеоном, сумевшей почти без слов «протянуть» в спектакле свою «мелодию роли». Восторгались «всамделишным» главным инженером в исполнении Петра Журавлёва. И, конечно, «выкупались» в зрительской любви Регина Щукина и Владимир Маслаков.
Владимир ввёлся в спектакль в мае – почти год «Пять вечеров» не играли в связи с уходом из жизни актёра Леонида Осокина. Потерять друга и играть его роль очень непросто…
- Лёня – очень дорогой, близкий человек. Когда я начал репетировать, то делал это в память о нём. И произошла такая вещь: пьеса о любви, а надо мной довлеет боль. Я пел «Не для меня придёт весна» как будто от его имени, и мне было трудно переключиться, рассказывать историю про Ильина и Тамару. Мы Лёню не забудем, он с нами. И в моей игре есть какие-то его жесты, шрихи…
Любовь, как явление, вне времени, а значит, не нужно ничего осовременивать – зритель всё поймёт и так. Люди постарше легко угадали в элементах декораций подлинные приметы пятидесятых: телевизор КВН с большой линзой, металлическую кровать «с шишечками», табуретки, газеты, по которым скачут, как по островкам, когда красят пол – всё это осталось, став поэзией театра, а не буднями жизни. И, может, настойчивые обвинения в наивности того поколения – результат того же «поэтического зрения», столь свойственного нашей памяти. Не исключено, что через пятьдесят лет и наше время сочтут наивным.
Каждое восприятие – уникально, порой это вызывает споры. Бурно реагировали зрители на предположение молодого человека, что в начале спектакля герои презирают друг друга. Возможно, он просто неточно подобрал слово. Подводя итог дискуссии, зрителям ответил Семён Спивак:
- Не нужно нас защищать, мы не ставили спектакль о презрение людей друг к другу, поэтому у нас нет комплексов по этому поводу. Просто мы много видели людей закрытых «замерзших». Такие моменты нелюдимости, холодности у всех бывают. Это нормально. И для встречи после семнадцати лет разлуки – тоже естественны. Мы старались говорить о подлинном и говорить честно...
Мария СУКОНКИНА
 
matildaДата: Среда, 11.01.2012, 14:52 | Сообщение # 166
Постоянный посетитель
Группа: Пользователи
Сообщений: 47
Статус: Offline
Обсуждение спектакля "Бумажная роза"
PROсцениум, ноябрь 2011

С ШИРОКО ОТКРЫТЫМИ ГЛАЗАМИ…

Октябрь 2010 года. В Молодёжном театре впервые проходит встреча из цикла «Спектакль месяца» - после «Жестоких игр» актёры, переодевшись и сняв грим, спускаются в фойе к зрителям, чтобы поговорить с ними о спектакле, услышать эмоции, поделиться собственными мыслями. Участники немного волнуются – актёры ещё не уверены, что зрителям интересен такой формат, приглашённые психологи и театроведы не понимают, в каком ключе от них ждут мнений. Но случайно попавшие на спектакль именно в этот день зрители принимают акцию и благодарят.
Октябрь 2011 года. Ровно год мы проводим акции «Спектакль месяца». Девятой встречей стало обсуждение постановки «Бумажная роза/Клятва на крови».
Нам повезло: режиссёр спектакля Ирина Куберская сумела приехать в Петербург. Последние 30 лет она живёт и работает в Мадриде, где руководит собственным театром «Трибуэнье». Недавно он приезжал в Питер со спектаклями «Вишнёвый сад» и «Дом Бернарды Альбы». Русская и испанская классика. Переплетение школы русского психологического театра с испанскими театральными традициями – режиссёрская особенность, узнаваемый почерк.
«Бумажная роза/Клятва на крови» – первая в России постановка испанского драматурга Рамона дель Валье-Инклана. И режиссёру есть, что он нём рассказать:
- Это гений наряду с Шекспиром, Чеховым, Лоркой. В Испании никто не сомневается в его даре. Русский человек может услышать в его творчестве мотивы Салтыкова-Щедрина, Достоевского, Гоголя. Жанр очень насыщен, но я уверена, что многим русским он близок.
Спектакль состоит из двух драматургических новелл пятиактного сборника, который автор называл «алтарём похоти, алчности и смерти». Действительно, люди в этих произведениях выглядят до гротеска неприглядно, обнажая самые нелицеприятные помыслы и мотивы поведения. Автора можно понять: в каком-то смысле он – дитя разочарования. Инклан, живший на рубеже XIX и XX веков, – одна из крупнейших фигур «Поколения 1898 года». Такое название утвердилось за группой испанских писателей, остро переживших в творчестве крах испанской империи, поражение в испано-американской войне, потерю в 1898 году Кубы, Пуэрто-Рико, Филиппинских островов.
Все эти события сопровождались глубоким социальным, моральным и политическим кризисом.
Любопытно, что непростой драматург мог «показаться» на русской сцене ещё в первой половине прошлого столетия с лёгкой руки Константина Станиславского. Великий режиссёр заинтересовался его романом «Светочи богемы», но не успел осуществить постановку. Сложись иначе, сегодня имя драматурга было бы широко известно в России. Но открывать Америку, а точнее – Испанию пришлось Куберской. А новое, как известно, часто вызывает споры и сомнения, так как заставляет нас выйти за пределы «зоны комфорта». Утверждение, что спектакль все безоговорочно принимают, было бы неверным. Встреча подтвердила то, что мы знали и раньше: многие не понимают ни спектакль, ни Молодёжный театр, который взял в репертуар несвойственную для себя драматургию. Оказывается, проблемы с «зоной комфорта» возникали и у актёров, им тоже было трудно выходить за рамки привычного. Регина Щукина, исполнительница главной роли, признаётся:
- У нас есть сформированные роли, оценки, жизненные истории, на которые мы опираемся. Мы хватаемся за них, в них нам уютно и хорошо. Честно скажу, поначалу мне было тяжело, я не представляла, как играть это. Как произносить слова: «Возьми мою кровь, а я возьму твою…» Какая-то дикость, неловкость. Я не хотела, боялась произнести эти слова. Но Ирина расширила моё сознание. Она говорила: «Забудьте обо всём»! В этой роли мне удалось раздвинуть поле своих возможностей, за что я благодарна режиссёру. Идти, не зная куда, не зная себя, не понимая, как ты поступишь в следующую секунду – это колоссальное открытие.
Партнёр Регины Александр Черкашин поддерживает:
- У каждого был эпизод, когда ты сталкивался с каким-то географическим местом, с которым нет ассоциаций. Вот я, например, оказавшись в зале «Искусство Танзании и Папуа-Новой Гвинеи» в Нью-Йоркском музее «Метрополь» совсем не понимал, как мне к этому относиться - с этими местами у меня ничего не связано. Тут похожая история – был длительный процесс знакомства, с которым приходил новый опыт и новые ощущения. Конечно, когда мы играем русскую пьесу, мы спокойнее себя чувствуем. С новым материалом нам страшно, мы чувствуем себя незащищёнными, но это и вызывает самые сильные переживания.
Кажется, такие актёрские открытия и сам Станиславский встретил бы с энтузиазмом. По крайней мере, это его слова: «Публика не любит новых приёмов и новых затей. Она пришла отдохнуть, и ей покойнее, если сегодня дело пойдёт, как вчера… Любя все стили искусства, я требую одного: каждый миг творчества должен быть вечно новым для творца, должен быть пережит заново, со всей искренностью и упоением. Школа тем-то и губительна, что лишает актёра жадности к жизни. Ибо - на что ему эта жадность, если он уже смолоду приучен любовь выражать вот так, гнев - вот так, а страдание - этак».
Казалось, лейтмотивом встречи стал призыв: люди, не бойтесь впускать в жизнь новое, не бойтесь жить с открытыми глазами, не отвергайте непонятное сразу…
- Это так важно – оставлять открытыми двери души, - говорит Регина Щукина. – Я, например, никогда не понимала искусство Ван Гога, пока не оказалась в городе Арле, где работал живописец, не увидела эти поля подсолнухов – меня как прострелило в одну секунду…
- Мы мастера создавать границы, - говорит режиссёр. – Но в воздухе границ нет. Мы встали спиной друг к другу, стали рабами «горизонтального» общения – на этом построена вся драматургия. Но пора уже вспомнить об общении «вертикальном» - может, и нам пора, как грекам, начать разговаривать с планетами, спрашивать у них совета? Инклан призывает нас проснуться для жизни. Такие гении, как он, порой опускались в самую клоаку, чтобы показать людям, как смешны и ничтожны они бывают, чтобы ни у кого не возникало желания повторять такое существование. Кто-то считает, что он глумится над человеком. Да, порой он такой. Провокатор, сбивающий с ног.
Он и в жизни был сильным, нетерпимым человеком и вся его драматургия – желание сорвать маски с людей. Пока мы в масках, никакое «вертикальное» общение нам не доступно. И, если вы что-то не приняли – это не плохо. Это значит, что вы способны чувствовать и принимаете что-то другое очень близко. Инклан в чем-то похож на Лорку: оба поэтизировали и обожествляли человека. Но ярко демонстрировали грязь и кошмар нашего бытия, совершенно не соответствующих тому божественному, что дано нам свыше, тому, что идёт по вертикали.
И всё-таки за всеми человеческим низостями режиссёр видит, в первую очередь, любовь, которая и была связующим «материалом» спектакля. Любовь, которая ведёт через лабиринт, благодаря и ради которой нужно взлетать выше себя. Любовь к человеку, к космосу, к жизни и к смерти. Ведь, если мы не знаем, для чего смерть, мы не знаем, для чего и жизнь…
- Спектакль сложный, не во всём понятный, но заставляет думать, - вот одно из мнений, звучащих в этот вечер, среди которых были и восторженные, и сдержанные. Очень красиво опоэтизировала происходящее одна из зрительниц:
- Однажды я видела, как музыкант играл на странном инструменте: в одинаковых бутылочках было налито разное количество воды. Он извлекал из них разные звуки, складывая в общую красивую мелодию. Мы – как эти бутылочки. Если бы в нас было одинаковое количество жидкости, музыка бы в этот вечер не сложилась…
Но «концерт» или, как мы уже привыкли называть эти встречи - «третий акт», состоялся - полтора часа пролетели как одно мгновение. Нашлись не все ответы, да и не все вопросы сумели задать зрители, но все участники почувствовали, как жёсткие рамки наших суждений стали немного более гибкими…
15 ноября «Спектакль месяца» состоится десятый раз. Ждём вас на обсуждении постановки Геннадия Тростянецкого «Король-олень».
Мария СУКОНКИНА
 
matildaДата: Среда, 11.01.2012, 14:54 | Сообщение # 167
Постоянный посетитель
Группа: Пользователи
Сообщений: 47
Статус: Offline
Обсуждение спектакля "Король-олень"
PROсцениум, декабрь 2011

спектакль месяца

ВЫСОКОЕ И НИЗКОЕ В ОДНОМ МАСКАРАДЕ
Режиссёр Геннадий Тростянецкий – человек жизнерадостный, а уж в работе над сказочной пьесой Карло Гоцци «Король-Олень» сам бог велел не унывать: чтобы в чудесные превращения на сцене поверили даже взрослые зрители, верить в них должны, прежде всего, артисты. Настраивая участников на позитивную волну, Геннадий Рафаилович каждую репетицию начинал с анекдота. Один из них зрители услышали из уст режиссёра во время акции «Спектакль месяца», когда остались на обсуждение «Короля-Оленя» в кругу артистов…

Итак, в театре во время спектакля зритель выходит из зала, к нему подбегает администратор:
- Вы уходите? Такие актёры замечательные!
- Хорошие…
- И режиссёрская работа на высшем уровне!
- Пожалуй…
- Костюмы не понравились, декорации, пьеса не затронула?
- Да нормально, вроде, всё…
- Так почему же вы уходите?
- Знаете, так страшно в зале одному сидеть!
К обсуждаемому спектаклю этот анекдот отнести невозможно: семейная постановка пользуется неизменным успехом. И, несмотря на то, что спектакль вечерний, длинный, детской публики он собирает с каждым разом всё больше. Юные зрители с увлечением смотрят трёхчасовой спектакль, и, судя по тому, что многие из них остались и на обсуждение, совсем не устают от такого длительного погружения…
- Кто придумал замечательные костюмы? – поинтересовалась девочка Женя лет одиннадцати.
- Правильный вопрос, - похвалил Геннадий Рафаилович. – Спектакль – это труд большого коллектива. С нами работала художник Елена Орлова. После выхода «Короля-Оленя» меня пригласили поставить другую пьесу Гоцци в Москву, и я снова обратился к помощи Лены. И не прогадал – её оформление отметили не только зрители, но и жюри почётной театральной премии «Чайка», выделив из ряда солидных конкурентов…
Так постепенно открывались тайны работы над единственным спектаклем Молодёжного театра, в котором актёры играют в масках. Глядя на артистов, иногда за них просто страшно – как лихо скачут по сцене, несмотря на ограниченное виденье площадки!
- Нам было непросто, - призналась Марина Ордина, исполнительница главной роли – Анжелы. – Мы не могли смириться – как так? Закроют наши лица, наш главный «инструмент», как играть? Но нам повезло с наставником. Прошло много-много репетиций и мы поняли - можно играть и «без лица». Геннадий Рафаилович разрешил нам найти место в пьесе, в котором каждый мог бы снять маску. Эти «открытия» рождались на репетициях естественным путём. И вот что удивительно – в театре я играю 18-й сезон, но узнавать меня стали именно после этого спектакля, где я совсем ненадолго остаюсь без маски…
Геннадий Рафаилович артистов похвалил: недавно ему снова довелось ставить спектакль в масках в другом театре, и он отметил, что артисты Молодёжного освоили сложнейшую технику на редкость быстро.
- Когда взбегаешь на помост, бывает страшновато – вдруг оступишься, - признается Юлия Шубарева. – Но… я играю с Алексеем Одингом и порой замечаю, что у него из дырочек одни брови видно – как играет? Говорит, что настолько уже чувствует сцену, что даже не замечает, что маска «ползает».
Кстати, талант Алексея в этом спектакле раскрылся не только в профессиональном слиянии с маской. Сложно поверить, но артист экстренно ввёлся в спектакль на главную роль всего за три дня!
Недаром комедия дель арте, элементы которой использованы режиссёром, переводится как «комедия искусников». В старой Италии, где зародился этот жанр, бродячая труппа, приходя в новый город, узнавала все новости и сплетни, сочиняла сценарий на злободневные темы и разыгрывала события, импровизируя. Есть место импровизации и в «Короле-Олене» - такое право даёт жанр. Так, например, злобный Тарталья-Одинг в финальных сценах произносит: «Я погибаю… а всё моя зависть, скупость». Как-то на спектакле актёр добавил: «…и завышенная самооценка». Коллеги упали со смеху – требовали закрепить фразу.
Роль маски Тростянецкий рассматривает не просто как элемент спектакля:
- Вспомните себя, окружающих, маска – это наша защита. Пьеса Гоцци - это вопрос ко всем нам: а что такое человек без маски? Я помню своё юношеское ощущение, когда вдруг оказался дома у своего учителя. Я привык видеть его собранным, размеренным, а тут мне открылся совершенно беспомощный человек. У меня сжалось сердце…
Тема маски задела меня. Чудовище, в которое в конце спектакля перевоплощается герой Одинга – это и есть истинное лицо Тартальи. Всю жизнь он носил маску. И, если мы живём злостью, гневом, обидами, наше лицо тоже становится зловещим, уродливым.
С точки зрения техники хитрость игры в маске в том, что эмоции нужно выдавать телом, оно становится более выразительным. В манере походки Тартальи есть что-то паучье, и это тоже не случайность. Режиссёр признался:
- Актёры часто опираются на животных, чтобы усилить характерность роли. Джимм Кери говорил, что в фильме «Эйс Вентура» ориентировался на птичку – вспомните его резкие повороты головы на вытянутой шее. А Евстигнеев в роли Плейшнера? Это же просто раненый пингвин!
Конечно, взрослые понимают, что актёрская игра – это не просто заучивание роли, но детям было интересно слушать рассуждения об актёрской профессии:
- Главное – передать чувства, которые испытывает герой, а для этого нужно самому пережить в душе ситуацию. Предположим, актёр читает «Гамлета» и его потрясает, как этот человек глубоко переживает предательство, убийство отца, равнодушие матери. Это потрясение он должен перенести в зал. Не выучить слова, а самому прочувствовать! Трудно порой бывает найти ключ к герою. В нашей работе первым человеком, который что-то нащупал в роли, стал Михаил Черняк.
Зрители оценили его находки по достоинству – когда этот чудаковатый дворецкий с замашками современного стилиста выходил в зал, импровизируя на ходу – хохот не умолкал!
- Образ стал собирательным, - рассказал артист, - в жизни мне встречались такие неприятные «типы» - приживалы, которые первыми бегут с тонущего корабля. Один из прототипов – проводник Боря, которого я запомнил на всю жизнь. В восьмидесятые годы, студентами, мы проходили практику в поездной бригаде, а Боря был кадровым служащим. У него в купе подстаканники были забиты деньгами: одни – красными червонцами, другие – двадцатипятирублевками… И он нам говорил: «Ой, мне вас жалко! Зачем вы им чай-то так льёте? Добавляйте соду!». Сам так и делал. Выдавал грязное бельё за чистое, наживался, как мог. Вот и мой персонаж такой. Что делает во дворце? Ворует. Поэтому и бежит первый - у таких людей нюх на неприятности.
Чем выше по ходу спектакля возносится любовь главных героев, тем ниже падают персонажи, сродни дворецкому. Идея дуальности мира близка режиссёру. Ещё Пушкин в своё время раскрывал эту тему: пир, но во время чумы; рыцарь, но скупой; гость, но каменный. И, конечно, череда чёрного и белого, удач и невезения есть в жизни каждого. Во время репетиций над спектаклем не обходилось без драматизма, кризисов, тупиков. Но нужно всегда находить в себе силы, чтобы преодолевать трудности. Актёрскому составу «Короля» - единственному составу – это удалось.
- Я думаю, что ставить спектакли в одном составе – это у меня от мастера – Георгия Александровича Товстоногова, - говорит Тростянецкий. – Он не признавал двух составов, считал, что лучше срочный ввод. Спектакль «Мещане» у него вышел в 1966 году и даже на юбилейном спектакле в 1991 году в роли 26-летнего юнца все так же выходил Кирилл Лавров. И как играл! Комар носа не подточит!
И дети, и взрослые в этот вечер слушали создателей спектакля, затаив дыхание.
- Если спектакль сделан правильно, ребёнок его смотрит. В Голливуде фильмы проверяют на подростках: если они внимательны, заинтересованы, фильм пускают в прокат. Я горжусь своим спектаклем «Маленькие трагедии», который поставил в Орле 10 лет назад. Мы возили его на фестиваль в Псков. В зал нагнали толпу школьников. И такая искренняя реакция от них шла, смотрели, затаив дыхание! Если есть попадание в сердце, в подсознание – ребёнок обязательно почувствует это. Великий режиссёр Питер Брук все прогоны делал для двух категорий людей: либо дети, либо постояльцы сумасшедшего дома. Потому что это самые искренние люди. Если они начинают разговаривать, значит, ты делаешь что-то не то.
Устами младенца глаголет истина. Не удивительно, что роль волшебника в спектакле играет ребёнок. Ребёнок и есть волшебник – его мечты сбываются, какими бы нереальными они не казались. Маленькая Женя, не постеснявшаяся в этот вечер задать первый вопрос о костюмах, к концу встречи призналась, что хочет стать режиссёром. Возможно, её мечта сбудется, и мы увидим много волшебных постановок!
Мария СУКОНКИНА
 
matildaДата: Среда, 11.01.2012, 14:58 | Сообщение # 168
Постоянный посетитель
Группа: Пользователи
Сообщений: 47
Статус: Offline
Обсуждение спектакля "Зимняя сказка"
PROсцениум, декабрь 2011

спектакль месяца
ВДОХНУТЬ ЖИЗНЬ В ФОРМУ

Не секрет, что пьесы Шекспира подвергались переработкам в соответствии с «требованиями времени» - их «адаптировали под классицизм», ставили в разных трактовках, спорили об авторской подлинности. Испанка Магуи Мира поставила прозаическую версию «Зимней сказки» у себя на родине, а потом воплотила её с артистами Молодёжного театра. Получился эксперимент, которому уже два года. Настало время артистам и зрителям собраться за кулисами, чтобы обсудить его успешность. «Зимняя сказка» стала последней в этом году творческой встречей в рамках акции «Спектакль месяца».

ВДОХ ПЕРВЫЙ. Король Сицилии Леонт подозревает в измене свою беременную супругу, заточает её в тюрьму и из ревности решает отравить своего друга. У королевы рождается девочка, но Леонт не признаёт её, бросает на произвол судьбы, и крошка вырастает в семье пастуха. Но проходят годы, и юная Утрата находит свою любовь. Это принц Флоризель. Именно их чувства возвращают в королевство мир и покой и чудесным образом оживляют статую безвинно осуждённой и погибшей Гермионы…
Магуи ставила спектакль о судьбе женщины в мире мужчин. И на сцене всего одна актриса – Ольга Медынич. В спектакле она играет две главные женские роли - королеву Гермиону и её дочь Утрату. В ответ на вопрос о том, как работалось в мужской компании, Ольга шутит: «На площадке у меня случилось два Романа», ведь короля Леонта сыграл Роман Агеев, а Флоризеля – Роман Нечаев! В спектакле играет и Роман Рольбин, так что испанскому режиссёру, работавшему на репетициях при помощи переводчика, было просто обращаться к актёрам: позовешь Романа – откликаются сразу трое.
Сюжет спектакля, конечно, вызвал вопросы, прежде всего, у женщин. Даже не вопросы, а возмущение: каково было Роману Агееву играть такое чудовище?! И нет прощения мужчине за такое поведение, пусть мучается! Ведь если Леонт любит Гермиону, он должен был выслушать!
- Если любит – выслушает?! Да ладно! – парирует актёр. - Если любит, то боится потерять. У Шекспира всё построено на крупных мазках, у него нет чеховских нюансов. Я играю человека, а не чудовище. Одно дело – суметь простить, совсем другое – ревность. Пусть Гермиона сначала признается, а когда есть признание – только тогда и можно думать, прощать её или нет. Как Леонт может простить, если она не признаётся?..
У Леонта своя правда. Он просто не похож на остальных. Но его не похожесть - результат маниакальной ревности, которая у профессионалов считается скорее болезнью, чем здоровьем. Леонта можно оправдывать, можно осуждать, но статуя Гермионы оживает только в его собственном раскаявшемся сознании. «Зимняя сказка» - единственная пьеса Шекспира, в названии которой есть слово «сказка». Но даже это не позволяет вдохнуть жизнь в умершего и исправить прошлые ошибки…

ВДОХ ВТОРОЙ. «Надо же, как испанский режиссёр вас почуяла! Получился Шекспир с русским колоритом!» Эту фразу произнёс на творческой встрече, обращаясь к артистам, один из зрителей. Пожалуй, именно он и сформулировал главную особенность спектакля – удивительное сочетание испанской режиссуры, английской драматургии и русской актёрской школы. Что и говорить, спектакль создан в непривычной для Молодёжного театра стилистике: минимализм в декорациях, мужчины в женских платьях, условность, аскетизм… Но, как говорят артисты, вкус молока можно оценить лишь тогда, когда попробуешь чаю.
Конечно, артисты шутят. Испанский «чай» для них нисколько не хуже родного «молока». Это же такое счастье – пробовать что-то новое! А смысл и «изюминку» искали все вместе. У русской «Зимней сказки» есть зарубежный прототип - в такой же декорации, с аналогичными костюмами, в постановке того же режиссёра. «У нас форма осталась испанской, но мы вложили в неё другое, нашли новые мотивации», - говорит актёр Евгений Клубов.
- Наш спектакль не калька. Да беспрекословного согласия с режиссёром и не должно быть – иначе сразу смерть спектаклю! - отметил Роман Нечаев, исполнитель сразу двух ролей - Антигона и Флоризеля. - Есть разница между европейским и русским театром. Зарубежные артисты дистанцируются от роли, после спектакля быстро выходят из образа. А мы пытаемся оставить послевкусие, зацепить зрителя, найти точки соприкосновения.
Естественно, точки соприкосновения приходилось искать не только со зрителем, но и с режиссёром. Спектакль ставили в кратчайшие сроки за два месяца, и в поисках компромисса иногда приходилось хитрить:
- В спектакле есть сцена с новорождённым, которая для нас непроста. Для Магуи Мира ребёнок – это символ, а мы относимся к нему как к живому существу, качаем его, когда держим на руках, обращаемся как с живым. Поэтому перед приездом Магуи, мы всегда договариваемся, какой вариант будем играть – режиссёрский или свой. В итоге получается «золотая середина».
Романа Нечаева поддерживает и Ольга Медынич:
- В Европе - техничная режиссура. В сцене суда, когда Гермиону судит собственный муж, у моей героини есть длинный тяжелый монолог. И, конечно, когда его репетируешь, сильно выкладываешься. А перед выпуском спектакля текст приходилось повторять аж пять раз подряд! Это очень сложно.
Трудно привыкнуть и к необычному сценическому оформлению. В день премьеры мама Ольги звонила дочери за кулисы, чтобы предупредить, что на сцене забыли установить декорации! На самом деле, конечно же, никто ничего не забыл, а пустая сцена – это решение спектакля. Для многих – непривычное. Но публика дала ясно понять – ей неинтересно, когда все ожидаемо. Некоторые специально приходят на этот спектакль по несколько раз, потому что, по их словам, спектакль «живёт», и артисты играют его всегда по-новому. А сами исполнители ждут новой встречи с Магуи Мира...
Елена ЧУКИНА
 
AlenaДата: Среда, 11.01.2012, 15:18 | Сообщение # 169
Почётный ступенечник
Группа: Администраторы
Сообщений: 6215
Статус: Offline
matilda, спасибо, очень не хватало на форуме этих статей! yes
 
matildaДата: Среда, 11.01.2012, 15:26 | Сообщение # 170
Постоянный посетитель
Группа: Пользователи
Сообщений: 47
Статус: Offline
Не за что! Вообще очень много в PROсцениуме за эти месяцы было интересной информации о наших артистах и спектаклях. Но, к сожалению, газету перестали выкладывать на сайт (((
 
Форум - Раз ступенька, два ступенька... » Молодёжка » Спектакли Молодёжки » АКЦИЯ "СПЕКТАКЛЬ МЕСЯЦА"
Страница 17 из 23«1215161718192223»
Поиск:


На правах рекламы:


______________________________________________________________
лого
© Алена Хромина 2008-2017